lunes, 28 de noviembre de 2016

LIBRO DE COLOR




Un buen día estaba trabajando en Madrid y de camino al centro me encontré un libro, debajo de un coche, el lugar es lo de menos, la propensión trapera que forma parte de mi vocación artística me hace buscar instintivamente, en cualquier lugar, cualquier cosa que pueda servir para hacer algo.
El Libro "Hanzi para recordar" era un manual de aprendizaje de la escritura y el significado de los caracteres chinos.
Recientemente nos habían encargado este trabajo y la idea que tenía no me llegaba a convencer, digamos que, como dice Gompertz, andaba buscando un plan B.
Al mismo tiempo, y por culpa de los libros que nos van recomendando en clase y los conocimientos que voy adquiriendo, tenía en mi cabeza una tormenta que no podía calmar, pues no conseguía encontrar la relación entre las artes, especialmente la pintura y la poesía, y era un asunto recurrente, pues me lo estaba encontrando en casi cada texto que  leía.
 Estuve revisando el libro una y mil veces, pensando que ahí podía encontrar alguna respuesta. Ví que la técnica de aprendizaje consistía en utilizar palabras sencillas para construir otras mas complicadas o, traducido a los caracteres chinos, los pictogramas sencillos, con su significado concreto, formaban otros mas complejos y su significado variaba un poco en algunos casos, en otros cambiaba por completo. Esto me dió una idea.
En una reunión familiar en las que había bastantes personas, y las edades comprendían desde los 3 hasta los 84 años propuse a todos que me dijeran palabras relacionadas con Arte y Naturaleza, cualquier cosa que les viniera a la mente. De todas ellas seleccioné 72 que utilicé para realizar mi libro.
Algunas son sencillas y otras complejas. Junto al pictograma que hay en cada página se muestra en castellano el significado del pictograma. Cuando éste es complejo se muestran las palabras de los pictogramas que lo forman. De esta manera he podido comprobar que las palabras y los pictogramas resultantes se llenan aún mas de contenido y todos ellos forman un poema al estilo de un Haiku que da aún más volumen a la idea, a mi idea sobre el Arte y la Naturaleza.
Sigo buscando esa relación pero siento que he dado un paso de gigante.




lunes, 21 de noviembre de 2016

CLASES 19 Y 20. TEORíA DE LA LUZ

"La sombra no existe, lo que tú llamas sombra es la luz que no ves" Henri Barbusse.


La luz forma parte de nosotros desde el comienzo de la humanidad, ya sea natural o artificial. Ha resultado ser imprescindible para el desarrollo de la humanidad, sin olvidar que sin ella no habría vida en este planeta.

Es un recurso imprescindible para el artista y es fundamental conocerla y tenerla en cuenta a la hora de realizar una obra artística, sea cual sea la especialidad, sobre todo en fotografía y cualquier otro medio audiovisual.
Ella, o mejor dicho, la falta de ella, nos ofrece dos tipos de recursos que, sabiendo manejar nos proporcionan unos resultados asombrosos. Estos son la sombra y la penumbra:

La sombra es aquel lugar al que la luz no llega y nos permite hacernos a la idea de la forma del objeto que la genera como también conocer su textura y material. En el arte tiene un gran simbolismo.
En la luz, tanto como en la sombra, te puedes esconder; detrás de ella aprovechando que deslumbra en el primer caso, y en aquellos puntos donde no llega, en el segundo.

La penumbra es el espacio intermedio entre la luz y la sombra y permite enseñar algo, u ocultarlo, según nos interese. Da gran juego y tiene mucho simbolismo.




La segunda clase sobre este tema, el taller de luz, se ha impartido en el aula-plató de fotografía, junto con Irene García León, ex-alumna de Mª Jesús en la URJC, fotógrafa y profesora de bachillerato artístico, publica sus obras en distintos medios de comunicación.
Hacía falta una buena cámara reflex, o en su defecto descargar una app. en el móvil llamado FV-5), también se han llevado algunos objetos y materiales propios de la actividad.

La práctica consiste en capturar fotografías en la oscuridad, dando la sensación de movimiento, reflejando la luz repasando la silueta del modelo con la ayuda de una linterna, luces navideñas y/o papel celofán de colores. Para empezar dicha actividad, teníamos que poner el diafragma de la cámara a F8 con velocidad de obturación 15 segundos. Hicimos varias experimentaciones con distintos fines. El resultado no ha sido muy satisfactorio, en mi caso, al utilizar el móvil con la aplicación. Los resultados de los compañeros que llevaron cámara reflex fue muy satisfactorio, salieron cosas muy interesantes.
Al no salir nada interesante en las fotos hice unos videos, tampoco sale nada del otro mundo, simplemente unas luces moviéndose:



viernes, 18 de noviembre de 2016

CLASE 18. DOSSIER ARTÍSTICO


Es la presentación de si mismo, de la obra en general, qué pretende y de lo que hace ante el mundo. Antes de nada debemos saber qué queremos mostrar, si toda nuestra vida artística o solo presentar una obra o colección. Esto dependerá del público objeto o hacia dónde vaya enfocado lo que queremos transmitir.
CONTENIDO

- Título: es muy importante. Ha de ser original, sentido acorde con el contenido.
- Nombre del artista.
- Web del artista orientada al contenido del dossier.
- Páginas de cortesia.
- ISBM.
- Nombrar al maquetador, encuadernador y fotógrafo.
- Técnica.
- Indice del dossier.
- Indice de imágenes.
- Declaración de Artista.
- Presentación de la obra (resumen del dossier).
- Como surge la idea de la obra.
- Concepto de la obra.
- Desarollo de la obra.
- Curriculum.




RECOMENDACIONES

1. Estar bien identificado.
2. Ordenado coherentemente.
3. Medidas no inferiores al formato A5.
4. Fotografías de calidad.
5. Presentación en varios formatos.
6. Localizado con un número ISBN para concurso de méritos.
7. Registro de propiedad intelectual y/o en la
VEGAP (si interesa).
8. Impresión profesional, formato y materiales acordes al contenido.

lunes, 14 de noviembre de 2016

CLASE 17. CONFERENCIA Y TALLER CREATIVO






Conferencia y taller de creatividad. Comenzó con una charla de Helena Trujillo. Habló sobre el psicoanálisis y su utilidad en los artistas. Defendía que teniendo esta herramienta disponible en pleno siglo XXI, y teniendo en cuenta que los artistas sacan de su interior todo lo que son para expresarlo en su obra ¿por qué no utilizarlo y aprovechar los beneficios que nos podría aportar?
De esta manera nos convenció de que es importante aprovechar los recursos que tenemos hoy en día a nuestro alcance y, como ella misma dijo, que el arte que hacemos no sea una imagen de nuestras vidas, sino la reflexión que sacamos de ella de modo "general" y aplicable tanto a un objeto, a un colectivo o a alguien en particular.

En el taller creativo de Lucía Hervás, se aplicaron unas dinámicas de grupo para realizar las tareas.
La primera actividad: cadáver exquisito. Cada uno dibujaba en su papel algo, durante un minuto, y lo pasaba al compañero de la derecha. Los resultados siempre resultan interesantes, lástima que no diera tiempo a comentarlos, desde mi punto de vista es fundamental como complemento a esta actividad.
Después hicimos un "diálogo de colores", por parejas, cada uno con un color, tratando de mantener una conversación mediante dibujos. Esta actividad si que hubiera necesitado de mas tiempo porque cuando empezabas a establecer la comunicación, cuando emisor y receptor empezábamos a entendernos y utilizar los mismos códigos, tuvimos que acabar la actividad.

lunes, 7 de noviembre de 2016

CLASES 15 Y 16. EXAMEN DE COLOR

La actividad ha consistido en pegar recortes de color de la paleta de colores que hemos estado utilizando durante toda la asignatura, luego hemos tenido que interpretar esos colores exactamente, pintando con nuestros acrílicos. A continuación los complementarios de esos colores y después los dos adyacentes

En una segunda clase hemos corregido, en grupos de 5 alumnos cada una de las láminas de nuestros compañeros y luego intercambiar nuestras láminas con otro grupo, en esta caso todo el grupo ha evaluado uno por uno el ejercicio de cada componente del otro grupo.

Ha resultado interesante ponerse en el otro lado para ver la dificultad que conlleva corregir ejercicios, sobre en una actividad creativa donde todo es subjetivo y todo es diferente según con el ojo que se mire.


Mi ejercicio no fui capaz de terminarlo

domingo, 6 de noviembre de 2016

ANÁLISIS DEL LIBRO "PIENSA COMO UN ARTISTA"

BREVE BIOGRAFÍA DEL AUTOR

Will Gompertz ( 25 de Agosto, 1965 en Kent, Inglaterra). Es director de Arte de BBC y dirigió la Tate Gallery durante 7 años. Está considerado uno de lo más destacados periodistas de arte moderno del mundo. Ha escrito para The Times y The Guardian durante más de 20 años y entrevistado a los principales artistas contemporáneos, incluidos Damien Hirst, Ai Weiwei, Yoko Ono o David Hockney. Fue nominado para el Premio Emmy de Noticia y Documental Nuevos Enfoques: Arte, Estilo de Vida y Cultura
En 2009, escribió e interpretó un monólogo sobre arte moderno en el Festival de Edimburg. Ha sido nombrado uno de los 50 pensadores creativos más importantes a nivel mundial por la revista Creativity de Nueva York.


MOTIVO POR EL QUE SE HA SELECCIONADO

Lo he seleccionado por que leí una obra suya llamada “¿Qué estás mirando?, 150 años de arte moderno”, y me gustó bastante, lo recomiendo. En él hacía un repaso por los grandes artistas mostrando sus trucos, técnicas, anécdotas y curiosidades que verdaderamente estimulaban la creatividad, la imaginación y las ganas de hacer cosas.


RESUMEN DEL LIBRO

Es un divertido manual que consta de diez consejos repartidos en diez capítulos. El libro habla sobre el estudio, el espíritu del arte y el pensamiento del artista, comparando el hecho de ser artista con ser emprendedor, digamos que una cosa lleva implícita la otra. Curiosidades de artistas, de no tener miedo al fracaso y sobre todo aprender de ello.
Nos intenta convencer de que cualquier ser humano, puede tener la oportunidad y el placer de ser artista, pensando como creadores y siendo creativos.

CAPÍTULOS Y ARTISTAS QUE APARECEN EN LA OBRA


  • 1. Los artistas emprenden
      -Andy Warhol, Vicent van Gogh, Theaster Gates.
  • 2. Los artistas no fracasan
      -Bridget Riley, Roy Lichtenstein, David Ogilvy.
  • 3. Los artistas se toman su curiosidad muy en serio
      -Marina Abramović, Gilbert&George, Caravaggio.
  • 4. Los artistas roban
      -Picasso.
  • 5. Los artistas son escépticos
      -J.J Abrams, Piero della Francesca.
  • 6. Los artistas piensan en el conjunto y también en el detalle
      -Luc Tuymans, Johannes Vermeer.
  • 7. Los artistas tiene su propio punto de la vista
      -Peter Doig, Rembrant, Kerry James Marshall.
  • 8. Los artistas son valientes
      -Miguel Ángel, Ai Weiwei.
  • 9. Los artistas se paran a pensar
      -David Hockney, Marcel Duchamp.
  • 10. Todas las escuelas deberían ser escuelas de arte
      -Bob y Roberta Smith
  • 11. una última reflexión
  • Agradecimientos, ilustraciones y fotografías.

INTERPRETACIÓN PERSONAL DE LA OBRA

Will Gompertz a través de la historia del arte, procura explicar qué y cómo hacen los artistas para ser creativos. Y nos guía mediante ejemplos con esos mismos artistas para poder llegar a ser un verdadero creador.

POSTULADOS QUE DEFIENDEN

Defiende el desarrollo y estimulación de la creatividad en cualquier ámbito y defiende que todo el mundo puede ser artista.

PUNTOS FUERTES DEL LIBRO

Con relación a la estructura del libro está redactado con mucha claridad, desde mi punto de vista se excede con ejemplos que lo hacen parecerse a un libro de auto ayuda. Es un libro muy fácil de entender, accesible, resulta muy interesante las citas de algunos artistas, escritores y filósofos. Las ilustraciones hacen mucho mas agradable la lectura del mismo, lo hacen mas divertido.

DEBILIDADES

Desde mi punto de vista tiene ese olor a libro americano de auto ayuda, en alguna ocasión me ha recordado a “El Secreto”.

¿QUÉ COMENTARIOS HACEN DEL LIBRO POR INTERNET?

Mas que critica lo que he ido encontrando son recomendaciones para leerlo, este autor goza de una gran empatía y realmente su lectura es amena, no cuenta ninguna película de ciencia ficción, o así lo parece. La mayoría de las críticas que he encontrado son positivas, es barato, fácil de leer y comprender, ingenioso y entretenido.

¿QUÉ TE HA APORTADO?


Sinceramente no me ha aportado mas que lo que me aportó su libro anterior, creo que debía haberlo leído antes que el otro. Aún así tengo que reconocer que ha estimulado y refuerza la idea de seguir trabajando mi creatividad y cuidando mi imaginación. Me ha dado a conocer grandes artistas de los que desconocía su obra y me ha abierto nuevos canales para seguir buscando, indagando, investigando, descubriendo...



viernes, 4 de noviembre de 2016

CLASE 14. LA FORMA


La forma según la definición del diccionario, es el conjunto de líneas y superficies que determinan la planta, el contorno o el volumen de una cosa, en contraposición a la materia de que está compuesta.
Las formas más frecuentes en nuestro entorno son:
  • Esfera (volumen, cualidad, todas las zonas tienen la misma presión)
  • Onda (mueve y comunica)
  • Ángulo (penetra y concentra)
  • Hexágono (pavimenta, una serie de círculos que al ser presionados forman hexágonos al juntarse)
  • Fractal (repite su forma a escala mayor o menor de forma progresiva)
  • Parábola (concentra)
  • Hélice (agarra)
  • Espiral (empaqueta, crecer sin ocupar espacio)




Una vez visualizado un reportaje sobre el número Phi, la proporción áurea. Hemos hecho un ejercicio práctico sobre la relación de estas proporciones con el cuerpo humano, con nuestro propio cuerpo, atendiendo a las medidas siguientes:

 4 dedos = 1 palma
 6 palmas = 1 codo
 4 codos = altura (pies, rodillas, genitales, pezones y coronilla)
 Pie = 1/7 altura
 1 Paso completo = 4 codos
 Del codo a la axila = 1/8 de altura o 1/2 codo
 Cabeza = 1/8 de la altura
 Frente = 1/3 del rostro
 De nariz a barbilla = 1/3 del rostro
 Oreja = 1/3 del rostro
 Altura de la cara = 1/10 de la altura = mano entera



viernes, 28 de octubre de 2016

CLASE 13. TEXTURAS

La textura es la apariencia de una superficie: rugosa, áspera, suave, húmeda, entre muchas otras. Desde el punto de vista del análisis de una imagen, la textura es la materia que cubre un objeto. Esta materia puede tener muchas características como la suavidad, la viscosidad, la temperatura, etc. Hay tres categorías para clasificar el tipo de textura:

                                             -Natural: sensible al tacto
                                             -Visual: remite a la experiencia visual
                                             -Artificial: simula a la realidad

Las texturas visuales son las que podemos apreciar mediante la vista en fotografías o representaciones visuales. En las texturas naturales se corresponde lo que percibimos con la experiencia táctil, mientras que las texturas artificiales imitan la textura real.

Durante media hora hemos aplicado técnicas de texturas aplicándosela a algún objeto o figura, y en otro caso buscando la forma en la propia textura.
Mi experimentación de textura ha sido realizada mediante grafito y papel con gramaje, con la técnica de frottage, primero en las tarimas de suelo, y luego colocando papeles arrugados bajo la hoja:






























Libro recomendado:" Prácticas artísticas contemporáneas"

lunes, 24 de octubre de 2016

CLASE 12 LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA


Documental producido por la francesa Agnès Varda, que recorrió Francia intentando dar un nuevo significado, o más completo si cabe, hoy en día, al oficio de espigar. con espigadores, recolectores, personas que buscan entre la basura, recogedores de objetos tirados por otros por casualidad o necesidad, artistas, etc. Ella misma se considera una espigadora porque también se dedica a recoger y seleccionar imágenes.




A continuación muestro un par de enlaces, uno de ellos es un corte del documental y el segundo es una entrevista con Agnès Varda, la autora de la obra, cinco años después de su edición y distribución.






viernes, 21 de octubre de 2016

CLASE 11. EXPOSICIÓN MUSEO REINA SOFÍA

Marcel Broodthaers

Una retrospectiva

5 octubre, 2016 / 9 enero, 2017 Edificio Sabatini, Planta 1
Marcel Broothaers ( Bruselas, 1924-Colonia, 1976), poeta, cineasta y artista clave del arte contemporáneo. Trabajaba con materiales no habituales dentro de la práctica pictórica; escayola, ladrillos, materiales de desecho como cáscaras de huevo y sobre todo mejillones. " La pintura se hace literatura, mientras que la literatura se hace objeto y, el objeto, palabra".

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/marcel-broodthaers-0

Mª Jesús nos explicó el motivo de las críticas recibidas en la sociedad de su época. Sus obras eran difíciles de comprender al tiempo que con ellas hace una crítica social, fundamentalmente en lo que se refiere a educación y cultura mediante serie de instalaciones, código y carteles.
La presentación de sus obras mediante palmeras y vegetación a su alrededor la hace muy agradable, da la sensación de que el espectador está en cualquier otro lugar menos en un museo.



lunes, 17 de octubre de 2016

CLASE 10. PRESENTACIÓN COLOR ROSA


Presentación y exposición sobre el color rosa.
El trabajo está dividido en los apartados siguientes:

  1. Etimología del nombre
  2. El color elegido con relación a la cultura occidental
  3. En relación a otras culturas
  4. Simbología
  5. Alimentos de ese color
  6. Películas en las que domine ese color
  7. Obras de arte en las que predomine ese color, citando a los artistas y la época
  8. Marcas que usan el color elegido
  9. Publicidad en la que domine ese color y explicar por qué
  10. En la obra deben colaborar todos los miembros del grupo.




viernes, 14 de octubre de 2016

CLASE 9. LEYES DE LA GESTALT


"Para componer, sólo tienes que recordar una melodía que no se le haya ocurrido antes a nadie" Robert Schumann

Las leyes de Gestalt son cinco: de cierre, de similitud, figura-fondo, buena forma y continuidad. Son unas reglas que explican el origen de las percepciones a partir de los estímulos y apoyan la idea de que el todo es algo más que la suma de sus partes.




El trabajo a realizar consiste en hacer una serie de fotografías donde reflejar las leyes explicadas y un vídeo de todo el proceso, los temas a elegir eran animales, magia y obras famosas, todos ellos teniendo que estar relacionados con el dinero. El resultado de nuestro trabajo es el siguiente:


Las cinco leyes de la Gestalt en cinco imágenes con el making off a continuación. Quiero agradecer a mis compañeras de grupo María, Jazmín y Marina el magnífico trabajo realizado, su compromiso y seriedad no ha impedido que disfrutáramos enormemente del ejercicio.

Este es el análisis realizado sobre la composición del video que aparece en el enlace que muestro a continuación:



sábado, 8 de octubre de 2016

EXPOSICIÓN MEMORIAS DE ATELIER

Miguel Angel López

Del 6 al 27 de octubre
Técnica: técnica seca sobre papel y óleo sobre lienzo y/o madera

Se trataba de obras muy trabajadas, con mucho detalle,  con pequeños objetos que hacía pensar que trata de representar un mundo minúsculo, que se ha adaptado a los materiales y recursos que hay disponibles en un mundo hecho para los grandes, de la misma manera que el artista utiliza diferentes objetos como soporte de sus obras.





viernes, 7 de octubre de 2016

CLASE 8. LA COMPOSICIÓN

"La creatividad es permitirte cometer errores. El arte es saber cuáles mantener"


La composición es la disposición de los distintos elementos que forman parte de una obra artística. Esta se apoya en los siguientes parámetros para determinar su significado:

  • Dirección, ascendente para dar un efecto positivo o descendente para da uno negativo
  • Simetría, vertical, horizontal o ambas.
  • Asimetría:
  • Triangular, apuntando al cielo (lo divino) apuntando hacia abajo (lo terrenal).
  • Repetición, es un método que siempre suele quedar bien.
  • Vertical y horizontal: espiritual, elegante y noble el primero; estático y relacionado con la muerte el segundo.
  • Circular, oval y espiral: hacia dentro, recogimiento; hacia fuera, explosión.
  • Horizonte: arriba (asfixiante), en el medio (equilibrio y estabilidad) y abajo (relajante)
  1. Posición de la mirada: desde arriba (humillante, demuestra superioridad sobre el sujeto/objeto), desde abajo (ensalza, engrandece) y de frente (de igual a igual, compromete). Resulta interesante comprobar en otros ámbitos cómo la mirada es utilizada para generar sensaciones diferentes.

Los alumnos hemos creado composiciones en grupos, utilizando nuestros cuerpos, basándonos en seis tipos de composición.

lunes, 3 de octubre de 2016

CLASE 7. ANÁLISIS VISUAL

"No tengas miedo de la perfección, nunca la alcanzarás" Salvador Dalí

"En este mundo traidor, nada es verdad o mentira, todo es según el color del cristal con el que se mira" Ramón Campoamor.

"Un ojo ilustrado es una mente capaz de entender lo que le rodea" M.J Abad


Una buena lectura de una imagen es muy importante para evitar todo lo posible la manipulación y la influencia de los medios. No solo los medios utilizan las imágenes, también lo hacemos los artistas, para dirigir y transmitir al espectador.

Aunque la imagen es mas compleja que la palabra el lenguaje visual es un código especifico que equivale a la sintaxis. Respecto la alfabetización visual hay que saber diferenciar entre una imagen y una realidad, ya que los que vemos directamente no es una imagen, es la realidad. Una imagen en cambio es la representación de esta realidad o pensamiento. Cuando materializamos esta realidad en una imagen podemos distinguir entre distintos niveles según su nivel de inocuidad, pudiendo ser por ejemplo una imagen abstracta como nivel más bajo. Para entender esto, hemos realizado el siguiente ejercicio.

La propuesta de hoy ha sido un ejercicio para comprobar la forma de interpretar una imagen dependiendo de la persona que la percibe y la forma de describirla. Estudiar los grados de iconicidad, que forman parte de una de las categorías a tener en cuenta cuando se analiza una imagen. Esto
consiste en asignar la relación de apariencias de un objeto real con su referente, para ello se usan distintos grados o niveles, en función del grado de semejanza que haya entre ellos.


Ejercicio de clase: Todos los alumnos hemos salido de clase excepto dos. Después de que estos han visto una imagen, hemos vuelto a entrar. A continuación nos han descrito la imagen y nosotros la hemos interpretado en papel.



domingo, 2 de octubre de 2016

EJERCICIO DE COLOR



Para asimilar todos los conceptos relacionado con el color, y hacer un estudio más exhaustivo del mismo, realizamos tres ejercicios valorando las gamas de los colores rojo, azul y amarillo. Para ello hemos utilizado la revista "Harper's Bazaar".
Interviniendo en tres páginas seleccionadas por Mª Jesús Abad, cada una con uno de los colores elegidos, comprobaremos de qué manera interpretamos cada uno la gama de tonalidades que hay que reproducir, pintando sobre ellas.

Este es el resultado de mi trabajo:





CLASE 6. WABISABI

Hemos hecho un control rápido sobre los colores primarios, secundarios, complementarios y adyacentes. Antes de empezar nos ha pedido que apoyáramos la cabeza en la mesa, para que nos relajáramos un rato, previamente nos ha dado 15 minutos para prepararlo. Después ha empezado a formular las preguntas, dejándonos períodos cortos de tiempo para responder, una vez anotada la respuesta volvíamos a la posición inicial, es decir, con la cabeza en la mesa.
Una forma muy ingeniosa de hacer un exámen.
El Libro recomendado hoy es uno llamado Wabisabi para artistas, diseñadores poetas y filósofos, libro que leí hace tiempo y me encantó, cambió por completo mi visión de las cosas. Digamos que la cita de Lao Tse "Cada cosa tiene su belleza, pero no todos pueden verla" se integró en mi manera de verlo todo, al fin y al cabo se trata de la misma filosofía.

WABISABI PARA ARTISTAS, DISEÑADORES Y FILÓSOFOS

Me viene a la mente otro libro que me gustaría recomendar, del mismo estilo, y que desarrolla la misma filosofía dando una vuelta a la forma de ver las cosas. Encantado de compartir con vosotros a Junichiro Tanizaki en "El elogio de la sombra".



lunes, 26 de septiembre de 2016

CLASE 5. COLORIDOS ESENCIALES

"No sonreirás al final si no has sonreído durante todo el camino"

La clase de hoy ha consistido en una explicación más detallada del trabajo final: El libro de color.
Se trata de representar 72 armonías de color, basados en el libro de Tomás García Asensio que pone título a esta entrada, mediante dibujos acompañados de texto, y que tengan un tema en común.





Este libro se entregará el 20 de noviembre.

viernes, 23 de septiembre de 2016

CLASE 4. EL COLOR


"No hay que dejar que el talento se quede metido dentro de un cajón".

¿Qué es el color? No se podría dar una definición exacta que pusiera limite al concepto. Color es un concepto muy amplio que nos permite abordarlo desde muchos puntos de vista, desde los estudios físicos que demuestran cómo lo percibimos, hasta el estudio de la infinita paleta de colores. Desde mi punto de vista, el color es fundamentalmente luz. Su definición así lo contempla: "...es la impresión que produce en la retina los rayos de luz reflejados y absorbidos por un cuerpo. Según la longitud de onda de estos rayos, la luz es inestable, van cambiando según la hora del día. El color se estudia desde el punto de vista física y óptica mediante su contexto, forma, textura, color, etc."
Explicación teórica sobre el color, concretamente, la tabla Pantone. Es un sistema de identificación de colores homologado, o por lo menos aceptado, de una manera precisa. Cada tono se corresponde con un valor numérico, de esta forma se evitan los errores que surgen al utilizar mas de una herramienta donde la percepción o interpretación del color sea diferente. En el mundo gráfico hay que tener en cuenta que no todos percibimos los colores del mismo modo y no todos los soportes los muestran de la misma manera, por ello se emplea el código Pantone.


Cuando ponemos un color al lado de otro más oscuro lo percibimos de forma distinta que si lo ponemos junto a otro más claro. Tampoco lo percibimos igual si lo ponemos al lado de un opuesto que de un adyacente. A este fenómeno se le llama interacción del color, que sucede a causa de su propia inestabilidad.

Es importante tener en cuenta todos estos datos a la hora de comenzar un proyecto artístico. Con el color podemos transmitir muchas cosas o dirigir al espectador hacia donde nosotros queramos. Para ello hay que dominarlo y usarlo de forma adecuada.



Por último recibimos información sobre el arte concreto y nos ha mostrado obras de artistas de este movimiento abstracto y geométrico. El término de arte concreto fue creado en 1930 por Doesburg. Cabe destacar algunos Artistas que ha mencionado María Jesús, como son Melle Maurice y Carmen Calvo.




Libro recomendado " Introducción al color", edición AKAL,  J.M González Cuasante. 

lunes, 19 de septiembre de 2016

CLASE 3. LA PALETA BÁSICA

" Un artista tiene que ser inasequible al desaliento".

Explicación de cómo podemos crear nuestros propios acrílicos y óleos, utilizando los aglutinantes y disolventes necesarios para cada uno. Descripción los colores de la paleta básica con lo que vamos a trabajar durante el año: los colores sustractivos, que son amarillo; rojo y azul. Ha acompañado su explicación con una demostración de la mezcla de los colores primarios: amarillo limón y cadmio, azul ultramar y cerúleo y rojo carmín y cadmio.
Es importante saber que los colores secundarios considerados como "ideales" en nuestra cultura se crean, partiendo de los siguientes colores que vamos a usar:
    2 amarillo: cadmio y amarillo limón.
    2 rojo: rojo cadmio y rojo carmin.
    2 azules: azul cielo (turquesa) y azul ultramar.
    Extensión del amarillo: ocre
    Extensión del rojo: tierra de Sevilla
    Extensión del azul: verde esmeralda.
    ...y estas serán las combinaciones:

  1. Naranja: amarillo cadmio y rojo cadmio
  2. Verde: amarillo limón (tono más frío) y azul ultramar
  3. Morado: rojo carmín (más cercano al azul) y azul cerúleo
  4. Negro: verde esmeralda, rojo carmín y azul cerúleo
  5. Blanco: siempre añadirle un poco de ocre, nunca se debe utilizar un blanco nuclear

Estas combinaciones nos dan los colores perfectos, pero la mezcla de los otros dos nos da unos colores muy interesantes, que también podremos utilizar.


Libro recomendado: "PIENSA COMO UN ARTISTA" de Will Gompertz.