lunes, 28 de noviembre de 2016

LIBRO DE COLOR




Un buen día estaba trabajando en Madrid y de camino al centro me encontré un libro, debajo de un coche, el lugar es lo de menos, la propensión trapera que forma parte de mi vocación artística me hace buscar instintivamente, en cualquier lugar, cualquier cosa que pueda servir para hacer algo.
El Libro "Hanzi para recordar" era un manual de aprendizaje de la escritura y el significado de los caracteres chinos.
Recientemente nos habían encargado este trabajo y la idea que tenía no me llegaba a convencer, digamos que, como dice Gompertz, andaba buscando un plan B.
Al mismo tiempo, y por culpa de los libros que nos van recomendando en clase y los conocimientos que voy adquiriendo, tenía en mi cabeza una tormenta que no podía calmar, pues no conseguía encontrar la relación entre las artes, especialmente la pintura y la poesía, y era un asunto recurrente, pues me lo estaba encontrando en casi cada texto que  leía.
 Estuve revisando el libro una y mil veces, pensando que ahí podía encontrar alguna respuesta. Ví que la técnica de aprendizaje consistía en utilizar palabras sencillas para construir otras mas complicadas o, traducido a los caracteres chinos, los pictogramas sencillos, con su significado concreto, formaban otros mas complejos y su significado variaba un poco en algunos casos, en otros cambiaba por completo. Esto me dió una idea.
En una reunión familiar en las que había bastantes personas, y las edades comprendían desde los 3 hasta los 84 años propuse a todos que me dijeran palabras relacionadas con Arte y Naturaleza, cualquier cosa que les viniera a la mente. De todas ellas seleccioné 72 que utilicé para realizar mi libro.
Algunas son sencillas y otras complejas. Junto al pictograma que hay en cada página se muestra en castellano el significado del pictograma. Cuando éste es complejo se muestran las palabras de los pictogramas que lo forman. De esta manera he podido comprobar que las palabras y los pictogramas resultantes se llenan aún mas de contenido y todos ellos forman un poema al estilo de un Haiku que da aún más volumen a la idea, a mi idea sobre el Arte y la Naturaleza.
Sigo buscando esa relación pero siento que he dado un paso de gigante.




lunes, 21 de noviembre de 2016

CLASES 19 Y 20. TEORíA DE LA LUZ

"La sombra no existe, lo que tú llamas sombra es la luz que no ves" Henri Barbusse.


La luz forma parte de nosotros desde el comienzo de la humanidad, ya sea natural o artificial. Ha resultado ser imprescindible para el desarrollo de la humanidad, sin olvidar que sin ella no habría vida en este planeta.

Es un recurso imprescindible para el artista y es fundamental conocerla y tenerla en cuenta a la hora de realizar una obra artística, sea cual sea la especialidad, sobre todo en fotografía y cualquier otro medio audiovisual.
Ella, o mejor dicho, la falta de ella, nos ofrece dos tipos de recursos que, sabiendo manejar nos proporcionan unos resultados asombrosos. Estos son la sombra y la penumbra:

La sombra es aquel lugar al que la luz no llega y nos permite hacernos a la idea de la forma del objeto que la genera como también conocer su textura y material. En el arte tiene un gran simbolismo.
En la luz, tanto como en la sombra, te puedes esconder; detrás de ella aprovechando que deslumbra en el primer caso, y en aquellos puntos donde no llega, en el segundo.

La penumbra es el espacio intermedio entre la luz y la sombra y permite enseñar algo, u ocultarlo, según nos interese. Da gran juego y tiene mucho simbolismo.




La segunda clase sobre este tema, el taller de luz, se ha impartido en el aula-plató de fotografía, junto con Irene García León, ex-alumna de Mª Jesús en la URJC, fotógrafa y profesora de bachillerato artístico, publica sus obras en distintos medios de comunicación.
Hacía falta una buena cámara reflex, o en su defecto descargar una app. en el móvil llamado FV-5), también se han llevado algunos objetos y materiales propios de la actividad.

La práctica consiste en capturar fotografías en la oscuridad, dando la sensación de movimiento, reflejando la luz repasando la silueta del modelo con la ayuda de una linterna, luces navideñas y/o papel celofán de colores. Para empezar dicha actividad, teníamos que poner el diafragma de la cámara a F8 con velocidad de obturación 15 segundos. Hicimos varias experimentaciones con distintos fines. El resultado no ha sido muy satisfactorio, en mi caso, al utilizar el móvil con la aplicación. Los resultados de los compañeros que llevaron cámara reflex fue muy satisfactorio, salieron cosas muy interesantes.
Al no salir nada interesante en las fotos hice unos videos, tampoco sale nada del otro mundo, simplemente unas luces moviéndose:



viernes, 18 de noviembre de 2016

CLASE 18. DOSSIER ARTÍSTICO


Es la presentación de si mismo, de la obra en general, qué pretende y de lo que hace ante el mundo. Antes de nada debemos saber qué queremos mostrar, si toda nuestra vida artística o solo presentar una obra o colección. Esto dependerá del público objeto o hacia dónde vaya enfocado lo que queremos transmitir.
CONTENIDO

- Título: es muy importante. Ha de ser original, sentido acorde con el contenido.
- Nombre del artista.
- Web del artista orientada al contenido del dossier.
- Páginas de cortesia.
- ISBM.
- Nombrar al maquetador, encuadernador y fotógrafo.
- Técnica.
- Indice del dossier.
- Indice de imágenes.
- Declaración de Artista.
- Presentación de la obra (resumen del dossier).
- Como surge la idea de la obra.
- Concepto de la obra.
- Desarollo de la obra.
- Curriculum.




RECOMENDACIONES

1. Estar bien identificado.
2. Ordenado coherentemente.
3. Medidas no inferiores al formato A5.
4. Fotografías de calidad.
5. Presentación en varios formatos.
6. Localizado con un número ISBN para concurso de méritos.
7. Registro de propiedad intelectual y/o en la
VEGAP (si interesa).
8. Impresión profesional, formato y materiales acordes al contenido.

lunes, 14 de noviembre de 2016

CLASE 17. CONFERENCIA Y TALLER CREATIVO






Conferencia y taller de creatividad. Comenzó con una charla de Helena Trujillo. Habló sobre el psicoanálisis y su utilidad en los artistas. Defendía que teniendo esta herramienta disponible en pleno siglo XXI, y teniendo en cuenta que los artistas sacan de su interior todo lo que son para expresarlo en su obra ¿por qué no utilizarlo y aprovechar los beneficios que nos podría aportar?
De esta manera nos convenció de que es importante aprovechar los recursos que tenemos hoy en día a nuestro alcance y, como ella misma dijo, que el arte que hacemos no sea una imagen de nuestras vidas, sino la reflexión que sacamos de ella de modo "general" y aplicable tanto a un objeto, a un colectivo o a alguien en particular.

En el taller creativo de Lucía Hervás, se aplicaron unas dinámicas de grupo para realizar las tareas.
La primera actividad: cadáver exquisito. Cada uno dibujaba en su papel algo, durante un minuto, y lo pasaba al compañero de la derecha. Los resultados siempre resultan interesantes, lástima que no diera tiempo a comentarlos, desde mi punto de vista es fundamental como complemento a esta actividad.
Después hicimos un "diálogo de colores", por parejas, cada uno con un color, tratando de mantener una conversación mediante dibujos. Esta actividad si que hubiera necesitado de mas tiempo porque cuando empezabas a establecer la comunicación, cuando emisor y receptor empezábamos a entendernos y utilizar los mismos códigos, tuvimos que acabar la actividad.

lunes, 7 de noviembre de 2016

CLASES 15 Y 16. EXAMEN DE COLOR

La actividad ha consistido en pegar recortes de color de la paleta de colores que hemos estado utilizando durante toda la asignatura, luego hemos tenido que interpretar esos colores exactamente, pintando con nuestros acrílicos. A continuación los complementarios de esos colores y después los dos adyacentes

En una segunda clase hemos corregido, en grupos de 5 alumnos cada una de las láminas de nuestros compañeros y luego intercambiar nuestras láminas con otro grupo, en esta caso todo el grupo ha evaluado uno por uno el ejercicio de cada componente del otro grupo.

Ha resultado interesante ponerse en el otro lado para ver la dificultad que conlleva corregir ejercicios, sobre en una actividad creativa donde todo es subjetivo y todo es diferente según con el ojo que se mire.


Mi ejercicio no fui capaz de terminarlo

domingo, 6 de noviembre de 2016

ANÁLISIS DEL LIBRO "PIENSA COMO UN ARTISTA"

BREVE BIOGRAFÍA DEL AUTOR

Will Gompertz ( 25 de Agosto, 1965 en Kent, Inglaterra). Es director de Arte de BBC y dirigió la Tate Gallery durante 7 años. Está considerado uno de lo más destacados periodistas de arte moderno del mundo. Ha escrito para The Times y The Guardian durante más de 20 años y entrevistado a los principales artistas contemporáneos, incluidos Damien Hirst, Ai Weiwei, Yoko Ono o David Hockney. Fue nominado para el Premio Emmy de Noticia y Documental Nuevos Enfoques: Arte, Estilo de Vida y Cultura
En 2009, escribió e interpretó un monólogo sobre arte moderno en el Festival de Edimburg. Ha sido nombrado uno de los 50 pensadores creativos más importantes a nivel mundial por la revista Creativity de Nueva York.


MOTIVO POR EL QUE SE HA SELECCIONADO

Lo he seleccionado por que leí una obra suya llamada “¿Qué estás mirando?, 150 años de arte moderno”, y me gustó bastante, lo recomiendo. En él hacía un repaso por los grandes artistas mostrando sus trucos, técnicas, anécdotas y curiosidades que verdaderamente estimulaban la creatividad, la imaginación y las ganas de hacer cosas.


RESUMEN DEL LIBRO

Es un divertido manual que consta de diez consejos repartidos en diez capítulos. El libro habla sobre el estudio, el espíritu del arte y el pensamiento del artista, comparando el hecho de ser artista con ser emprendedor, digamos que una cosa lleva implícita la otra. Curiosidades de artistas, de no tener miedo al fracaso y sobre todo aprender de ello.
Nos intenta convencer de que cualquier ser humano, puede tener la oportunidad y el placer de ser artista, pensando como creadores y siendo creativos.

CAPÍTULOS Y ARTISTAS QUE APARECEN EN LA OBRA


  • 1. Los artistas emprenden
      -Andy Warhol, Vicent van Gogh, Theaster Gates.
  • 2. Los artistas no fracasan
      -Bridget Riley, Roy Lichtenstein, David Ogilvy.
  • 3. Los artistas se toman su curiosidad muy en serio
      -Marina Abramović, Gilbert&George, Caravaggio.
  • 4. Los artistas roban
      -Picasso.
  • 5. Los artistas son escépticos
      -J.J Abrams, Piero della Francesca.
  • 6. Los artistas piensan en el conjunto y también en el detalle
      -Luc Tuymans, Johannes Vermeer.
  • 7. Los artistas tiene su propio punto de la vista
      -Peter Doig, Rembrant, Kerry James Marshall.
  • 8. Los artistas son valientes
      -Miguel Ángel, Ai Weiwei.
  • 9. Los artistas se paran a pensar
      -David Hockney, Marcel Duchamp.
  • 10. Todas las escuelas deberían ser escuelas de arte
      -Bob y Roberta Smith
  • 11. una última reflexión
  • Agradecimientos, ilustraciones y fotografías.

INTERPRETACIÓN PERSONAL DE LA OBRA

Will Gompertz a través de la historia del arte, procura explicar qué y cómo hacen los artistas para ser creativos. Y nos guía mediante ejemplos con esos mismos artistas para poder llegar a ser un verdadero creador.

POSTULADOS QUE DEFIENDEN

Defiende el desarrollo y estimulación de la creatividad en cualquier ámbito y defiende que todo el mundo puede ser artista.

PUNTOS FUERTES DEL LIBRO

Con relación a la estructura del libro está redactado con mucha claridad, desde mi punto de vista se excede con ejemplos que lo hacen parecerse a un libro de auto ayuda. Es un libro muy fácil de entender, accesible, resulta muy interesante las citas de algunos artistas, escritores y filósofos. Las ilustraciones hacen mucho mas agradable la lectura del mismo, lo hacen mas divertido.

DEBILIDADES

Desde mi punto de vista tiene ese olor a libro americano de auto ayuda, en alguna ocasión me ha recordado a “El Secreto”.

¿QUÉ COMENTARIOS HACEN DEL LIBRO POR INTERNET?

Mas que critica lo que he ido encontrando son recomendaciones para leerlo, este autor goza de una gran empatía y realmente su lectura es amena, no cuenta ninguna película de ciencia ficción, o así lo parece. La mayoría de las críticas que he encontrado son positivas, es barato, fácil de leer y comprender, ingenioso y entretenido.

¿QUÉ TE HA APORTADO?


Sinceramente no me ha aportado mas que lo que me aportó su libro anterior, creo que debía haberlo leído antes que el otro. Aún así tengo que reconocer que ha estimulado y refuerza la idea de seguir trabajando mi creatividad y cuidando mi imaginación. Me ha dado a conocer grandes artistas de los que desconocía su obra y me ha abierto nuevos canales para seguir buscando, indagando, investigando, descubriendo...



viernes, 4 de noviembre de 2016

CLASE 14. LA FORMA


La forma según la definición del diccionario, es el conjunto de líneas y superficies que determinan la planta, el contorno o el volumen de una cosa, en contraposición a la materia de que está compuesta.
Las formas más frecuentes en nuestro entorno son:
  • Esfera (volumen, cualidad, todas las zonas tienen la misma presión)
  • Onda (mueve y comunica)
  • Ángulo (penetra y concentra)
  • Hexágono (pavimenta, una serie de círculos que al ser presionados forman hexágonos al juntarse)
  • Fractal (repite su forma a escala mayor o menor de forma progresiva)
  • Parábola (concentra)
  • Hélice (agarra)
  • Espiral (empaqueta, crecer sin ocupar espacio)




Una vez visualizado un reportaje sobre el número Phi, la proporción áurea. Hemos hecho un ejercicio práctico sobre la relación de estas proporciones con el cuerpo humano, con nuestro propio cuerpo, atendiendo a las medidas siguientes:

 4 dedos = 1 palma
 6 palmas = 1 codo
 4 codos = altura (pies, rodillas, genitales, pezones y coronilla)
 Pie = 1/7 altura
 1 Paso completo = 4 codos
 Del codo a la axila = 1/8 de altura o 1/2 codo
 Cabeza = 1/8 de la altura
 Frente = 1/3 del rostro
 De nariz a barbilla = 1/3 del rostro
 Oreja = 1/3 del rostro
 Altura de la cara = 1/10 de la altura = mano entera